Записи с меткой «балет»
История одного из лучших танцоров мира
Владимир Малахов начал заниматься бальными танцами в четыре года. Через шесть лет он поступил в балетное училище в Москве. Занятия танцами в интернате были непосильным трудом по 10 часов, иногда и без обеденного перерыва.
По словам самого Владимира, танцы – это в первую очередь жестокость касательно своей персоны, способность открывать возможности собственного тела, чтобы стать в чужих глазах практически неземным существом. Настоящего танцора с головой выдает внешность: торчащие скулы, блеклая кожа и впавшие, но горящие честолюбием глаза.
По окончании училища Владимира пригласили быть солистом в Московском классическом балете. За несколько лет Владимир исполнил все ведущие партии в таких постановках, как «Лебединое озеро», «Поцелуй феи», «Швейцарская молочница». Затем он выиграл Гран-при в Варне в юношеской группе, стал обладателем «золота» на Всесоюзном конкурсе балета, в 1989 году получил гран-при в Париже и первую премию на Московском международном конкурсе балета.
На Западе Малахов стал известен после турне по США в 1990 году. Триумфом стал его контракт с American Ballet Theater, так сказать взошел на мировой олимп в танцевальной карьере.
Сегодня Владимир Малахов с легкой руки европейских критиков получил венец танцора столетия. С 1992 года он стал солистом на сцене Венской оперы, после он приглашен на работу в Национальный балет Канады, а в 1995 году Малахов дебютировал в Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Позднее балетный бог встал во главе балетной труппы Берлинского государственного оперного театра Унтер-ден-Линден.
Начало блестящей карьеры окончилось не менее знаменательно, хотя возможно у Владимира Малахова все еще впереди.
Студии эстрадно-циркового искусства
Эстрадный танец – это вид сценической постановки, короткая танцевальная сценка либо увеселительная миниатюра, созданная специальными средствами хореографии. Корнями эстрадный танец уходит в фольклорное творчество, ранние формы ярко отражались на Руси в выступлениях танцоров в русских и цыганских жанрах на народных гуляньях. Позднее на эстрадной сцене появился уникальный жанр, отразившийся в исполнениях сатириков и танцоров. С него началась история комедийного номера на основе фольклора, закончившаяся в оформлении нынешнего эстрадного танца.
Работники советской танцевальной эстрады перенимали опыт и знания дореволюционного репертуара, но он требовал необходимости обновления. Так появились обновленные стили, и в том числе сюжетная танцевальная миниатюра. Эстрадные танцы были энергичными с быстрыми ритмами и динамичной пластикой. Качественные номера демонстрировали характер драматургической идейности, специфики выразительных средств. В процессе становления эстрадного танца как отдельного вида искусства произошел значительный прогресс всего советского хореографического искусства. Окончательный вариант современного эстрадного искусства можно узнать по организации грандиозных концертов; он толерантен по своему составу и органично вписывается в культурную жизнь жителей постсоветского пространства.
Современный танец эстрады несет в себе богатые оттенки различных стилей и направлений. Танец имеет тень присутствия элементов классического танца, модерн-балета, джаз-танца, фанка, хип-хопа. Все, целиком изменяясь под призмой через индивидуальное видение хореографа, образует единство разнообразия танца, которому иначе можно дать другое название “freestyle” – свободный стиль. Элемент импровизации – важная его составляющая. И когда под музыку фантазирует профессиональный исполнитель, обладающий навыками нескольких танцевальных стилей, его танец таит в себе элементы новизны и соответствия времени.
Народные танцы
История любого общества написана в его национальных костюмах, обрядовых церемониях и народных танцах. Человек в стремлении самореализации и самоутверждения выражал свои идеи через предметы народного творчества.
Танец – это портрет народа, написанный языком пластики и жестов, это летопись духовного наследия самобытного народа. Танец отличается веселым настроением и жизнерадостностью.
Этнохореология считает, что исконный танец любого народа и любой страны – это хоровод. Хоровод олицетворял единство и жизненную силу, повторяя форму солнечного круга. Каждый народ вносил в хороводную пляску свои изменения, соответствующие его содержанию. В танцах находится отражение национальной культуры и менталитета народа.
Хореография танца основана на танцевально – языковых средствах, таких как язык пластики, жестов, монолог, хор, кордебалет. Народная пляска берет свои начало в культовых танцах древности, в которых восхвалялись боги, а первоисточником служит движения человека, связанные с его трудовой деятельностью и эмоциональными впечатлениями от окружающего мира.
На Украине народным танцем считается гопак – мужской танец, включающий в себя прыжки, приседания и вращения, героического характера. В Италии самым старинным народным танцев является балло. Этот танец носит танцевально-игровой пантомимический характер. Испанским народным танцем с шестнадцатого века называют чакону, исполняющуюся в живом темпе и сопровождающуюся пением и игрой на кастаньетах.
Таким образом, народный танец служит способом раскрытия образа духовности народа.
Что такое танец?
Смысл понятия «хореография» в настоящее время очень широк. Хореография – искусство сочинения танца – объединяет все виды танцев, начиная с классического балета и заканчивая танцами в стиле хип-хопа. Короче говоря, понятие хореографии охватывает различные виды танцевального искусства, где художественный образ создается с помощью движений и жестов.
В то время как песня выражает свои чувства через слова, искусство танца отражает потребность человека передавать другим людям свое счастье или скорбь посредством своего тела.
Танец – это ритмичные выразительные телодвижения, выстроенные в определенную композицию. Танец выражает эмоциональное ощущение окружающего мира. В нем образы, сотканные из движений тела и музыки, передают особенный смысл. Танец находит свое содержание именно в музыке. Музыкальное сопровождение всех действий танца задает скорость, ритм и настроение танца, что отражается в движениях исполнителя.
Танцы, рождающиеся от вдохновения, являются не только легкомысленным развлечением или приятным времяпровождением, но и оригинальным способом познания мира. Также танцы служат отличным лекарством от хандры и помогают укрепить здоровье.
Танец отражает уровень культурного развития общества. Через танец не только можно выразить свои эмоции, но и религиозную принадлежность, социальный статус или спортивную подготовку. За тысячелетия было придумано огромное количество стилей, видов и форм танцев.
Танец доступен и прост. Основываясь на демократичности, он помогает расширить творческий и личностный потенциал, избавиться от разных комплексов, исчезнуть страху перед публичными выступлениями, научиться правильно расслабляться.
Этот танец еще называют ритмопластическим. Правильнее сказать – это не танец, а целое движение. Возникло оно в начале 20 века. Цель его – освобождение от балетного театра и более близкое слияние с жизнью, со всеми ее сторонами. Именно от свободного танца происходит танец модерн и джаз-модерн, а также контемпорари. Это своего рода мировоззрение, желание превратить его в высокое искусство, поставить в один ряд с музыкой и живописью. Создатели этого движения взяли за основу идею Ницше, который утверждал, что танец – это метафора свободы.
Существует два основных источника свободного танца:
1. движение за раскрепощение тела, за естественность. Яркой представительницей этого движения была Айседора Дункан.
2. ритмика Эмиля Жака-Далькроза, который был преподавателем пения и музыки в Женеве.
Главное, что объединяет всех создателей свободного танца – все они видели в нем не искусство ради искусства, а большую часть массовой культуры. Они были убеждены, что танец – это не удел избранных, а культура, доступная каждому. Абсолютно каждый человек может и должен танцевать! Так как это поможет ему изменить свою жизнь в лучшую сторону.
Свобода пришла в танец. Что бы сделать его народным, ведь танец был рожден народом, простыми рабами, которые с его помощью просто жили, проживали особенные жизни, где не было рабства, где не было угнетения и тоски. Еще в Древнем Египте танец был частью жизни каждого человека, и богатого и бедного, и образованного и нет. Поклонники свободного танца пришли, что бы вернуть танец народу. Сделать его простым и понятным, сделать его языком жестов и тела, а не особым видом искусства. Для закрытой группы избранных, они принесли в танцы жизнь, а в жизнь танцы, тем самым дав набору движений живую, трепещущую эмоциональную – людскую душу.
И в наши дни дух свободного танца жив и процветает. Именно он является мощным способом пробуждения и развития личности.
Балет – это, наверное, один из самых невероятно красивых танцев во всем мире. Стоит только вспомнить легендарную Майю Плисецкую. Когда она танцевала, то казалось, что вокруг замирает мир и останавливается время. Балет, как танец – это удивительное искусство. Вы только вдумайтесь, этот чудесный танец не только превосходное представление, но и целая полна страсти драматургическая история, либретто. Музыка и движения неразрывно связаны одной неповторимой идеей – идеей любви. Немаловажную роль играет также пантомима, которая призвана передать все те чувства, которыми охвачены герои их страсти и пороки.
Поговорим немножко об истории балета. Впервые балет как танцевальное искусство зародился еще в ХVI веке в Италии. Позже он перекочевал во дворцы Франции, где и превратился в незабываемые пышные дворцовые представления. Почти два с половиной века балет не был признан как самостоятельный вид сценического танцевального искусства. И только во второй половине XVIII века кардинально изменить ситуацию смог французский балетмейстер Жан Жорж Новер.
Россия впервые открыла свои сцены для балета только в 1673 года. В это году 8 февраля состоялось первое балетное представление при дворе царя Алексея Михайловича в деревне Преображенское.
Сейчас все большую популярность набирает новаторский вид балета – танец модерн, который предстал перед зрителями в начале ХХ века и сразу полонил сердца всех зрителей. Хоть и был облегченным вариантом классического балета. Яркой и неповторимой представительницей «свободного танца» была Айсидора Дункан.
Но как бы не реформировался балет, какие бы новаторские идеи не забирались в умы исполнителей, балет навсегда останется самым романтичным, самым страстным и самым самым…танцем в мире!
Балет! У меня при этом слове как будто замирает сердце, или наоборот начинает стучать с бешеной скоростью! Ведь балет – это целая неповторимая жизнь, которая такая увлекательная и так отличается от реальности. Здесь оживают самые невероятные легенды. Здесь каждый герой умеет любить, не просто любить, а всем сердцем, самозабвенно, отдавая всего себя этому чувству. Вы только вспомните невероятную «Жизель», непередаваемое «Лебединое озеро» и чудесного «Щелкунчика». А еще, сколько есть вот таких вот легендарных произведений!
Насколько красив настолько и сложен этот чудесный танец. Как ни в каком другом виде танца в балете важны правильные движения, правильная музыка и точная пантомима. Ведь с помощью именно пантомимы зритель окунается во всю драматургию сюжета.
Впервые балет возник в XVI веке в Италии, а уже в XVIII веке был признан самостоятельным видом танцевального искусства.
Как правило, у зрителей балет ассоциируется с балетными пачками и пуантами. От сценических костюмов просто дух захватывает. Но мало кому известно, что в своем первоначальном виде костюмы выглядели совсем не так, да и пуантов не было вообще. Не верите? Ну что ж углубимся в историю. Так вот балетные пачки в приближенном к современному виде появились в конце XVIII веке, а пуанты и того позже. Пытаясь сделать представление более грациозным и воздушным, исполнительницы начали, во время танца становится на кончики пальцев. Так и были изобретены пуанты. Первой в них станцевала легендарная Мария Тальони.
В балете необычайную важность играет музыкальное сопровождение. Балет – это одна жизнь двух элементов: танца и музыки. Свои произведения балету посвятили такие мэтры как: Людвиг ванн Бетховен («Творение Прометея»), Адольф Адана («Жизель») и Лео Делиба («Сильвия»).
Балет – это неповторимое искусство, которому стоит посвятить свою жизнь, ведь ничто не вечно – вечны только музыка и танцы.
Занятия Боди-балетом
(либо в более привычном для нас названии правильной танцевальной подготовки, – хореографией) помогают улучшить и усовершенствовать абсолютно любой танец!
Классически подготовленный танцор всегда выделяется из общей массы даже для неопытного глаза. Ведь хорошая осанка, отличная растяжка, выворотность стопы и гордая посадка головы есть у человека не просто по мановению палочки. И здесь даже только воли танцора мало – очень важно, чтобы тело само запомнило правильную позицию.
Хореография – это в целом танцевальное искусство, во всех его проявлениях и разновидностях. Здесь можно рассматривать хореографию, например, как совокупность двух областей – искусство танца и искусство балета.
Балет – это наивысшая форма «театральной» хореографии, которая выражается в сценично-музыкальном представлении. Главное средство выражения в балете – система классического европейского танца. Танец является одной из форм хореографического искусства, в котором для создания образа используются движение и положение человеческого тела.
Хореография (боди-балет)— это отличная возможность получить отличный заряд бодрости и долгое время сохранять свои мышцы в тонусе. Для многих людей, Боди-балет
еще и уникальный шанс исправить не правильную осанку или попрощаться с болью в пояснице и искривлением позвоночника. Так же, для любого человека, хореография и боди-балет несут в себе раскрепощение на физическом и эмоциональном уровне.
Занятия Хореографией до такой степени универсальные, что даже опытные танцоры остальных танцевальных видов, практикуют занятия классикой. К примеру, пара высокого уровня из бальных танцев обязательно занимается постоянно классикой.
И главное: Хореография доступна всем, почти в любом возрасте и с любой предварительной подготовкой. Все люди, не имеющие медицинских противопоказаний, смогут научиться выполнять простой экзерсис в центре зала или у станка, красиво и правильно выполнять адажио и прочите вариации и виды вращений.
Как родился танец? Давайте поговорим об истоках. Мы можем только предполагать, мы можем строить различные теории, но каждый профессиональный танцор скажет Вам, что танец – это, прежде всего, отражение души. Еще в первобытнообщинном строе в культ возводились различного рода лидеры, умевшие жестом и пластикой движений показать то, к чему нужно стремиться. На тот момент мало существовало голосовых способов общения, и танец, зачастую, становился методом руководства. Да! Именно в танце первобытные люди организовывали сообщества, именно таким образом строилась повседневная жизнь.
Движение – залог жизни! Кто будет спорить? Идем дальше. Возникают различные ритуальные танцы. Жрецы веками оттачивают технику танца для получения определенных благ своим соплеменникам, будь это дождь, успехи в военных походах или высокая урожайность. Почему именно танец? Все очень просто – человек, зачастую, не может понять язык соседнего племени, нет единой языковой формы общения, неизвестно как обращаться к идолам. Лучше, чем танец придумано не было. Да и кто будет спорить, что жесты являются единственным, наиболее информативным, межнациональным, межрасовым способом общения.
В современном мире возникают другие способы передачи информации. Визуальные, речевые – быстрые, как сама наша жизнь, но гены не обманешь. Приходя на балет, созерцая выступления классических и современных коллективов, каждый из нас ощущает тот незабываемый трепет души, который чувствовали наши предки. Для многих из нас танец до сих пор является способом самовыражения, возможностью передать свои чувства, мечты, фантазии, то, что невозможно высказать словами.
Времена изменяются, ускоряется жизнь, но танец всегда был и останется тем универсальным способом общения, который объединяет людей всего мира.
С приходом к власти знаменитого реформатора Петра I на Руси начались масштабные изменения во всех областях жизни государства и общества, в том числе не обошли они стороной и область искусства. Что касается нововведений в танцах при приходе к власти нового царя, а он, как известно, был большим любителем западной культуры, необходимо констатировать, что они были направлены на широкое и повсеместное внедрение западных хореографических изысков. При дворе Петра I популярными среди вельмож стали такие европейские танцы, как мазурка, полонез, кадриль, менуэт и некоторые другие. Что же касается простого народа, то он не только смог сохранить народный русский танец, но и преобразил его под влиянием новых веяний западной культуры. В это время появилась знаменитая ныне на весь мир полька.
Еще одним нововведением, появившемся в эпоху правления Петра I, стал крепостной балет. Русские помещики владели огромными наделами земли, управляли тысячами и десятками тысяч крепостных людей. Они чувствовали себя царями своих маленьких и не очень государств в государстве. Подражая модным веяниям столиц они создают и развивают в своих имениях крепостные балеты и театры.
Изначально, на стадии становления крепостные исполнители демонстрировали своим хозяевам исключительно народное творчество. Это обусловлено несколькими причинами. Первое, в глубинку чаще всего доходили лишь слухи и новомодные веяния, но ни коем образом не профессиональные иностранные и отечественные постановщики и учителя танцев. Второе, крестьяне только в редких случаях были оторваны от своей среды проживания – села, что позволяло им сохранять связь с обычным народным творчеством. Исходя из вышесказанного русская народная тема глубоко обосновалась в репертуаре крепостных театров и балетов.
По сути своего значения танцы можно классифицировать по трем направлениям – современный танец, балет и народный танец. Начнем наш экскурс с обзора народных танцев. Никто не будет спорить, что из всех вариантов хореографического искусства народный танец является самым древним. На Земле не найти народа или народности, которые бы не имели своего собственного национального танца, отвечающего требованиям конкретной культуры, отражающего политические, экономические и социально-бытовые направления в развитии данного этноса. В современном мире народный танец можно поделить на два различных направления: исполнение определенных танцевальных движений без цели развлечения других людей (чаще всего встречается на различных праздничных мероприятиях в семьях, коллективах и т.д.), и танец, целенаправленно построенный и исполняемый с целью демонстрации его зрителям.
Наиболее требовательным к своим исполнителям является балет. Ни для кого не секрет, чтобы стать прославленным исполнителем необходимо не только приложить массу усилий и потратить много лет на подготовку, но и иметь определенные задатки к занятиям балетом. Балет, сам по себе, зародился при дворе французского короля в 17 веке как развлекательное мероприятие для времяпровождения придворных обывателей. Учитывая, что первой школой балета была французская, терминология, принятая в этом направлении танцевального искусства, естественно, на французском языке. На данном этапе существует еще две сильные школы балета – русская и американская.
Современный танец стал производной от бальных танцев в следствие несогласия некоторых прославленных исполнителей, а в будущем и преподавателей, со строгими нормами и канонами, которые предписывались балетом в движениях, одежде и месте исполнения.
Творческое использование фольклорного наследия, создание на его основе новых эстетических ценностей постоянно пополняет многокрасочный венок белорусской народносценической хореографии.
Сценическую жизнь получают лучшие образцы традиционных белорусских народных танцев. Так, наиболее популярный из них — «Левониха», возникший на основе одноименной шуточной песни, исполнялся в быту в виде диалога между Левоном и Левонихой, вокруг которых пели и пританцовывали остальные участники. В современных сценических редакциях танец становится парномассовым и отличается богатством пространственных рисунков, которые, быстро сменяясь и логически переходя один в другой, напоминают красочный белорусский орнамент. Изменяется и усложняется и лексика танца, постоянно варьируется его композиция. Оригинальное сценическое решение этому танцу нашел, например, балетмейстер В. Яминский. В постановке, осуществленной им в народном ансамбле танца, танцуют одни девушки, создавая атмосферу непринужденного. веселья. Удачно найдены здесь выразительные средства, которые убедительно раскрывают характер и взаимоотношения танцующих.
Интересную сценическую форму сумел придать старинному белорусскому фольклорному танцу «Метелица» народный артист А. Рыбальченко. В быту этот танец исполнялся часто на одном движении (простой бег) с полотенцами в руках, при помощи которых участники изображали метель. Описания различных вариантов фольклорного танца «Метелица» приводятся в трудах целого ряда этнографов, фольклористов и искусствоведов прошлого и наших современников. Вот как описывает содержание одного из самых распространенных вариантов «Метелицы» А. Киркор: «В ней много резвости, кутерьмы, потому что множество пар танцуют в одно время, а между тем грациозность и стройность нисколько не нарушаются. Сущность пляски заключается в следующем: собираются в пары, берут в руки махрачки, т.е. полотенца или пояса, и становятся в ряд. Раздается музыка и напев, и в одно мгновение поднимается точная метелица. Все пары бросаются вдруг: первая, проскочив под полотенцем, пропускает вторую пару, бросается под полотенце третьей, пропускает четвертую и т. д.
Заслуженная слава петербургского балета не нуждается в комментариях. Известность его исполнителей давно перелетела рубежи России. Спектакли и концерты прославленных артистов ежегодно с большим успехом проходят во многих городах Европы, Азии, Африки, Южной Америки, США. Имена выдающихся балерин и танцовщиков произносят с уважением и благодарностью не только советские зрители, но и поклонники хореографии во всем мире. Ленинградские педагоги воспитали несколько поколений артистов балета для музыкальных театров советских республик и зарубежных стран.
За каждым спектаклем, афишней, страницей истории советского балета — жизнь артистов, тех, кто создавал, укреплял, оберегал прекрасное искусство танца, кто сделал его доступным широчайшим массам зрителей. Это, во-первых, те, кто сохранил Классическое наследие русского балетного театра, чтобы оно в 50—60-е гг. вновь поразило зрителей всех континентов неувядающей красотой, идейно-художественной содержательностью. Это, во-вторых, те, кто неустанно экспериментировал, создавая русский репертуар, воплощая советскую тематику в хореографических образах. Это, наконец, мастера сегодняшнего дня, наши современники, умножающие своим искусством славу петербургского балета.
Помним ли мы сегодня тех, кто работал в ленинградском балете в 20-е, 30-е гг., в трудное время Великой Отечественной войны? Увы, память запечатлела имена далеко не всех… Однако, каждый из нас, созерцая прекрасные выступления исполнителей задумываемся о будущем. Мы надеемся, что слава русского балета будет преумножаться и славиться, что имена наших танцоров и балетмейстеров будут звучать по всему миру. Так было всегда – так будет всегда!
Окончил МХУ в 1960 (ученик А. Мессерера), балетное отделение режиссерского факультета Ленинградской консерватории (ученик Ф. Лопухова). В 1961—62 в Театре оперы и балета имени Палиашвили (Тбилиси) исполнил роли: Ванечка («Доктор Айболит»), неаполитанский танец («Лебединое озеро») и др.
В 1966 на сцене Ленинградской филармонии показал первую программу балетных миниатюр (дипломная работа) на камерно-инструментальную музыку Ф. Рамо, Б. Бриттена силами артистов Театра имени Кирова, организовавших «Камерный балет»; в 1967 —вторую (музыка В. Моцарта, Ю. Фалика и др.), в 1968 —третью (музыка Д. Мийо, И. С. Баха и средне-вековых авторов).
Молодой балетмейстер успешно работал в области создания камерных хореографических произведений, одноактных балетов. Его творчество прочно опирается на классическую хореографию, отличается фантазией, музыкальностью, вкусом. «Пробой пера» для Алексидзе явился одноактный балет на музыку «Маленькой ночной серенады» Моцарта, поставленной для Ленинградской студии телевидения. Балетмейстер тонко высветил главные темы музыкальной партитуры, создал прозрачные, зыбкие в своей красоте ансамбли. Сочиняя балетные миниатюры на камерную музыку, показал, что обладает своим видением темы четко выраженной системой хореографического мышления. Обращаясь к музыке Рамо и произведениям средневековых композиторов, Алексидзе рассматривает их с позиций нашего современника, создавая танцевальную стилизацию замысла композиторов. Полно очарования, новизны, непосредственности его хореографическое прочтение «Метаморфоз» Бриттена. Для Алексидзе характерно «обращение к духовному миру человека, интерес к сложности и противоречивости взаимоотношений» (Г.Добровольская), что и привело его к созданию балета «Орестея». Ф. Лопухов отметил эту работу не только как лучшее произведение Алексидзе, но и как «достижение советской хореографии».
В советском, русском балете, как и положено, была масса выдающихся исполнителей, но некоторые остаются в памяти навсегда. Одной из них стала Фея Балабина.
Заслуженная артистка РСФСР (1939), заслуженный деятель искусств РСФСР, лауреат Государственной премии СССР (1947). Хореографическое образование получила в Ростове-на-Дону, в 1925 солистка оперно-балетного коллектива. В 1926—29 училась на курсах при ЛХУ (ученица М. Романовой, Е. Гейденрейх), в 1931 окончила ЛХУ (ученица А.Вагановой), в 1931—56 балерина театра имени Кирова. Первая исполнительница роли Паскуалы («Лауренсия»).
Балабина вошла в историю балета прежде всего как виртуоз классического танца. В этом единодушны все, кто восхищался ее мастерством. «По складу дарования Балабиной свойственны живость, непосредственность, оптимистичность, та жонглерская четкость и бравурность виртуозности, в которой ощущаешь природное изъявление чувства радости бытия», – так говорил В.Богданов-Березовский.
«Балабина — перенесенная в современность Леньяни, обогащенная достижениями, сделанными нашим балетом в области хореографической выразительности» (Н. Носилов). «Кто хоть раз видел Балабину в одной из ее многочисленных ролей, тот несомненно, сохранил в своей памяти каскад сверкающих, филигранно отточенных, виртуозных танцев. Но это не холодный блеск сверкающего бриллианта — это брызжущие через край жизнеутверждающие человеческие чувства» (М. Михайлов). Тщательность отделки деталей танца, его чистота и блеск не помешали Балабиной (особенно в период творческой зрелости) создать полнокровные образы, такие, как, например, Китри, которую она рисовала живой, решительной испанской девушкой, темпераментной и красочной. Все эти качества привлекали и обеспечивали ей большой и заслуженный успех.
Начало социалистических движений, свобода, если ее так можно назвать, вскружили голову простому обывателю. Каким-то образом изменилось мировоззрение людей, но при этом жажда искусства, стремление к возвышенному сохранились.
В 30-е годы танец на эстраде по-прежнему развивался по двум направлениям. К первому относились собственно эстрадные танцоры, выступавшие изо дня в день с традиционным репертуаром, рассчитанным на исполнение в сборном концерте или на приватных вечерах. Второе направление представляли танцоры и балетмейстеры-экспериментаторы, которые работали над тематическими программами, разрабатывая новые творческие задачи, в некотором роде авангардные для того времени. Эти на первый взгляд разобщенные тенденции взаимно влияли друг на друга, и обе они испытывали воздействие театральных поисков. Между тем не прекращался и процесс обогащения академической хореографии находками танцевальной эстрады, не будем забывать, что время то было смутное и неопределенное, народ не столько шел в театр, сколько на площади.
Новым в эти годы явилась деятельность крупных танцевальных коллективов. Первыми были созданы коллективы Московского и Ленинградского мюзик-холлов. В сезоне 1928/29 года при Московском мюзик-холле был сформирован постоянный танцевальный коллектив из учеников хореографического отделения Театрального техникума имени А. В. Луначарского.
Последующий огромный успех женских выступлений мюзик-холла заставил позабыть о том, что в составе первой танцевальной группы были мужчины. Притом весьма сильные танцоры: В. Бурмейстер, Н. Холфин, И. Слуцкер, Я. Ицхоки-Тэн, Ю. Михалев и другие. Некоторые танцевальные программы, демонстрировавшиеся главным образом на утренниках, были поставлены самими участниками.
Вы любите петь, но прекрасно понимаете, что путь на сцену вам заказан, – не те способности, разве что – на домашнюю сцену. Вам нравится танцевать, но вам никогда не изобразить Одетту-Одиллию ни на сцене Большого театра, ни даже на сцене ДК железнодорожников. Значит ли это, что и тратить время на то, в чем не достигнешь больших высот – бессмысленно? Отнюдь. Вы ведь не стремитесь достичь небывалых высот, читая любимую книгу, или ухаживая за комнатными цветами, гуляя парком? Нет, вы просто получаете удовольствие, расширяете свои познания, находите душевное равновесие, приятно проводите досуг. И если вам доставляет удовольствие заниматься аэробикой, или фитнесом, или танцами, почему бы и не заниматься этим? Просто для себя.
Хотите танцевать? Танцуйте
К сожалению, вокруг всего, что хоть малой мерой относится искусству, у нас создано слишком много мифов. К примеру, о том, любому виду искусства обязательно учиться с ранних лет, а позже лучше и не начинать. Или о том, что только специальное образование позволяет достичь успехов в каком-то виде искусства. Но ведь известно много примеров, когда люди чем-то увлекшись в совершенно новой для себя области, удивляли окружающих, превращая свое увлечение в мастерство. Многие современные танцы созданы на основе народных. И ведь совершенно ясно, что их первые создатели не имели хореографического образования. Им просто нравилось танцевать.
Многие хореографы совершенно искреннее убеждены, что тот, кто не отстоял должное количество часов у балетного станка не сможет правильно двигаться и современных танцах. Но ведь приходится наблюдать и иное, когда подростки старательно пытаются привнести заученные у станка навыки, к примеру, в хип-хоп. Но при этом не умеют расслабить мышцы…
Не менее нелеп и противоположный миф, о том, что, дескать, профессиональное образование ничего не дает для того, кто увлекается современными танцами. Оно, мол, даже вредно. В таких случаях. И это абсолютно неверно. Знание азов любого дела не вредило никогда и никому. Другое дело, что всякому овощу свое время, а всякому танцу – свой стиль и навыки. И у каждого свой личный путь в искусство танца. Есть у вас талант и трудолюбие, хотите вы блистать в Ла-Скала, получайте классическое образование, боритесь за свою мечту. Нет особых способностей, (а это еще вопрос, может они просто не проявились), но танцевать вы все же хотите – для достижения этой цели тоже существует множество способов.
Идти прямым путем
Но из всех существующих путей желательно выбрать все-таки самый прямой и верный, дабы не терять времени и сил на окольные тропы. Классическая хореография, как уже было сказано, дает основу для классических же танцев. С другой стороны – многие считают, что основой может служить просто хорошая физическая подготовка. К примеру, позаниматься фитнесом, чтобы развивать мышцы, а затем выучить несколько танцевальных движений будет уже несложно. Увы, это тоже заблуждение. «Просто физкультура» хореографических навыков не прививает, ею обучение танцам заменить невозможно. А вот сделать наоборот, занимаясь хореографией развить и укрепить мышцы – это вполне реально. Поэтому не тратьте времени зря, стремитесь к цели прямым путем.
Важна ли одежда для танца? Да, несомненно. Существует мнение о том, что дескать для хорошего танцора не суть важно, в чем он одет. Это и правильно и вместе с тем неправильно. Хороший драматический актер может без декораций, нарядов и грима сыграть свою роль и одной лишь мимикой, пластикой движений и речью заставить вас поверить в то, что он царь Иван Грозный или Том Сойер. Но и ему это будет гораздо легче это сделать при наличии соответствующего реквизита. Так и хороший танцор может танцевать даже в неподходящей одежде. Она не будет служить ему помехой. Но, во-первых, чтобы стать хорошим танцором нужно все-таки этому научиться, а для начинающего одежда нужна удобная и функциональная. А во-вторых, одежда помогает вживаться в образ, создает колорит, помогает понять характер и стиль танца. Что, весьма немаловажно.
Ничто человеческое не чуждо
Еще один широко распространенный и «прижившийся» в сознании людей миф, – чтобы чего-нибудь достичь в избранном деле, нужно «посвятить этому делу всего себя, без остатка». Почитаешь мемуары известного человека, или воспоминания о нем близких людей и создается впечатление, что это небожитель, у которого не было никаких человеческих потребностей. Он не тратил время ни на еду, ни на сон, ни на что-либо еще. Но при всем при этом, обратите внимание, у известных людей есть и семьи (иногда и не одна) и дети. Популярные актрисы делятся со зрителями результатами своих кулинарных изысков. Режиссеры с мировым именем имеют хобби, которому тоже посвящают время. И как утверждают, это только помогает им играть роли в театре, снимать фильмы и т. д. То есть всему свое время и свое место. И человеку не должно быть чуждо ничто человеческое. Брать пример с положительных и целеустремленных героев литературы и кино – не вредно. Но примеривать на себя чужие, да еще изрядно «подретушированные» биографии не стоит. Тратьте на свое увлечение столько времени и сил, сколько можете потратить, так, чтобы это было не ущерб другим нужным занятиям и не в тягость вам самому. Дело ведь не в количестве затраченного времени, а в качестве сделанного. А между этими двумя понятиями далеко не всегда есть прямо пропорциональная зависимость.
Еще один вид «творческого насилия» – слишком старательно изучать то, чего удалось достичь другим. Перенимать чужой опыт полезно, кто ж с этим спорит. Но двигаясь исключительно по проторенному пути, ни к чему новому не придешь. Вам хочется творить – творите. Не исключено, что вам удастся создать такое, чему позавидуют «классики жанра».
Грубость и профессионализм – не синонимы
Еще один серьезный вопрос: у кого учиться? Вам порекомендовали очень опытного и квалифицированного преподавателя, специализирующегося именно в том стиле, которому вы хотите учиться, – это прекрасно. Но есть еще и такие понятия, как личностные характеристики и субъективное восприятие человека. И едва ли получится что-либо хорошее, если вы с преподавателем, как говорится, не сойдетесь характерами. Вас устраивает, когда преподаватель очень требователен и настойчив? Ну что же ищите именно такого. Но если после каждого общения со своим учителем вы выходите из класса и пьете валерьянку, – ей Богу не стоит мучиться. Ничего полезного из такого общения вы не вынесете.
Многие придерживаются мнения, что грубость и бестактность преподавателя это признаки его увлеченности делом и высокого профессионализма. Но это тоже далеко не всегда взаимосвязано. Вспомните свои школьные годы. Всегда ли вы хорошо учили предмет того преподавателя, который кричал на вас и наказывал при всяком удобном случае? Скорее всего, нет. И наоборот, нет сомнения, что в вашей школьной жизни был хотя бы один учитель. Который говорил всегда тихим и спокойным голосом, но в присутствии, которого даже самые заядлые школьные хулиганы забывали о своих выходках. Бывает, конечно, всякое. Но чаще всего грубость и хамство отнюдь не признак профессионализма, а совсем наоборот, свидетельство невоспитанности и неумения работать.
Воспринимать ли общепринятое мнение как непреложную истину – каждый решает сам. Но если вы уже дочитали этот текст до конца, значит – мифы, созданные обществом, не являются для вас руководством к действию. Поэтому – дерзайте, и удачи вам.
Танец живота возник в пятом веке до нашей эры в Египте. В начале его танцевала главная жрица храма Изиды.
Искусство соблазна в ритме Востока
В древности, когда танец живота исполнялся в гаремах и дворцах, танцовщицы делились на две категории:
– авалин (выступающие для высшего общества);
– гавазе (выступающие на улице).
И те, и другие танцовщицы были очень популярны. У Наполеона, завоевавшего Египет, было четыре сотни танцовщиц, которые танцевали арабский танец и танец живота.
Shake Your Body Like a Belly Dancer!
Это строчка из популярной современной песни. Переводится она так: «Двигайся, как танцовщица, исполняющая танец живота». Современные мужчины по-прежнему очарованны волнующими и сексуальными восточными ритмами. Женщины стремятся научиться танцу живота, чтобы завоевать свою вторую половину. Страстные движения есть и в программе почти любой балетной группы мировых звезд сцены. И это не просто модно. Это удовольствие от познания философии древности, радость жизни в обновленном взгляде на окружающий мир.
Работа над собой: сложное искусство восточного танца
Танец живота и уроки пластики Востока должны подтолкнуть Вам к глубокому пониманию сути философии красоты и самоощущению. Потому что техника базируется не только на отличном владении собственным телом, но и умением превратиться из горожанки в красавицу Востока. Изменения должны быть не только внешними, но и внутренними.
Обучиться танцу живота довольно сложно. Но, изучив ряд движений, каждая из женщин ощутит себя обаятельной и привлекательной. Вы почувствуете легкость в теле. Неторопливые движения бедер и рук, что может быть красивее!
Да, ты прекрасна!
Где можно обучиться танцу живота? Этот вопрос волнует женщин, которые хотят стать лучше душой и телом, быть свободными и привлекать взоры мужчин. В студиях танцев живота можно обучиться разным направлениям восточного танца: египетскому, арабскому танцу.
Уроки танца живота требуют подготовки, придумывания уникального образа танцовщицы. Детали костюма, в котором танцует танцовщица, в том числе макияж и украшения, подчеркивают женственность. Движения должны быть грациозными и манящими. Одежда, как правило, полупрозрачная, украшенная бусами, браслетами, стеклышками и монетками.
Научиться танцу живота Вам помогут профессиональные учителя. Благодаря им, Вы почувствуете себя восточной женщиной, которая способна покорить мужчину.
Хорхе Фирпо по праву признан профессиональным танцором и высококлассным балетмейстером известным не только в Аргентине, но и во всем мире. Помимо этого, Фирпо, еще и отличный преподаватель и выдающийся арт директор, занимающий передовое место в мире Танго. Хорхе Фирпо не похож ни на одного танцора, этого человека отличает редкое в нашем мире сочетание непревзойденной техники исполнения салонного и сценического танго с неизменным моленго стилем, к которому танцор относится с особым трепетом и почитанием. Хорхе Фирпо один из самых известнейших milonguero, который добился такого результата благодаря своей целеустремленности и тяжелому труду. Но нельзя не отметить, что немалую роль в карьере велико танцора сыграл и его отец, именно он многому научил своего талантливого сына. Кроме того, и такие именитые преподаватели, как Perito Avellaneda, Antonio Torando и Rodolfo Dinzel тоже привнесли свой вклад в мастерство танцора с мировым именем.
В 1984 году Хорхе Фирпо успешно окончил Национальную Школу Танца, где получил образование преподавателя национального танца и фольклора. Способный ученик жадно глотал знания, он активно изучал латиноамериканские народные танцы, театр и пантомиму, криольские танцы и современный танец.
1973 год ознаменован для Хорхе Фирпо первым его выступлением на широкой публике, которое состоялось в родном городе Quilmes. Это было выступление в составе балета «La Quilmena».
С 1983 года Хорхе Фирпо начинает танцевать в паре с непревзойденной Аурой Любиц. Пара пользуется огромным успехом. Хорхе и Аура выступают на различных фестивалях, принимают участие в многочисленных шоу и мастер-классах. Знаменитые танцоры путешествуют по всему миру: Канада, Испания, Голландия, Франция, Швейцария, Чили, Финляндия, Бразилия, Уругвай, Дания, Германия, Норвегия – это далеко не весь перечень стран, в которых успели побывать эти талантливые артисты.
С Миленой Плебс Хорхе выступает на собственном шоу «Romance de Barrio».
Знаменитый танцор принимал и до сих пор принимает активное участие в различных телешоу. Театры и самые престижные танго места Буэнос-Айреса – тоже являются объектами деятельности Фирпо. Великий, легендарный, с мировым именем танцор – все это относится к одному человеку – Хорхе Фирпо. И он заслужил эту славу, действительно заслужил. Чего только стоят имена людей, таких как Lisandro Adrover’s Quintet, Sexteto Mayor, Juan Carlos Copes, Elsa Maria, Libertad Lamarque, Roberto Goyeneche, Gloria и Eduardo, с которыми Фирпо удалось поработать на одной сцене.
В настоящее время Хорхе Фирпо все так же без остатка отдает себя своей любимой работе. Он занимается преподавательской деятельностью в Итальянской Ассоциации в Belgrano и в аргентинской Школе Танго. А также знаменитый танцор является незаменимым арт-директором Аргентинской Школы Танго и Всемирного Танго Фестиваля.
Стихийные искания 1880-1911
В конце 19 столетия в Буэнос-Айрес мигрирует множество жителей Европы в поисках лучшей жизни. Они живут на окраинах портового города вместе с каторжанами и беглыми матросами. Эти люди образовали «орилью». Самым «лучшим» заведением «орильи» является бордель. У людей окраины возникает собственный язык, манера поведения, стиль одежды, своя музыка и танец танго. Танго – откровенный и смелый танец.
Танго, появившееся в тавернах и притонах, является необычной смесью андалузского фанданго, креольской милонги, испанской хабанеры и негритянского кандомбе.
В начале танго танцевали только мужчины, затем к ним присоединились и женщины.
В то время танго не придерживалось определенных правил, его форма и ритм не имели четких очертаний.
Танго танцевали без слов и пения.
Время славы и канонов 1912-1930
После введения всеобщего избирательного права началось социальное объединение бедных слоев населения. Культура окраин стала выходить за пределы их места жительства. Танго становится более строгим и эстетичным. В 1911 году в Париже оказываются тексты и ноты танго Э. Сабаридо «Ла Морочча». Песня-танец имеет здесь колоссальный успех. Танго начинают танцевать в европейских странах в высшем обществе.
В это же время возникает понятие «музыкант-тангист» – это человек, который исполняет танго и является профессиональным композитором.
После военного переворота танго опять уходит в подполье. Но социологи, историки и музыковеды занялись изучением этой музыки. Стали публиковаться научные статьи, эссе и трактаты.
Возрождение 1940-1955
В конце 30-х годов на политической арене Аргентины снова появляется беднота. Простой народ, радуясь, танцевал. Танго вновь стало популярным. Но в 1955 году наступает новый кризис в аргентинском танго. Его заменяют американские фильмы и музыка.
Танго на театральных подмостках 1980-2000
Последние десять лет вызвали огромное увлечение танго во всех странах мира.
Танго – это особый парный танец.
В 80-е годы танго появилось на большой сцене. Появился театрализованный вариант этого танца. На сцене пара танцевала, находясь не так близко друг к другу, движения стали более атлетичными, балетными и показательными. Танго стало делиться на 2 вида: сценический и интимный, который еще танцевали в Буэнос-Айресе. Возникли бурные споры на тему, какой из этих видов танцев – «подлинный». На это оказал огромное влияние Астор Пьяцолла, который является создателем «современного» танго, оно имеет множество поклонников во всех странах мира. На пороге нового тысячелетия танго снова возрождается, и оно соединяет в себе лиричность, мелодичность, красоту и ритмичность. Полное страсти, чувств, грусти и радости, это аргентинское танго – многогранно. Благодаря танго двое людей чувствуют себя единым целым.
Танго делится на стили условно. История танго нигде не записана, поэтому о развитии, появлении и исчезновении стилей мы можем знать только по разговорам пожилых милонегро. Кроме этого у любой пары, которая танцует танго, имеется собственный стиль. Определяющим при выборе определенного стиля является место, где вы будете танцевать танго: на сцене, в клубе или другой площадке. Учитывая это, стили условно делятся на сценические и клубные. К сценическим относятся: танго «на экспорт» и танго «фантазия» или шоу-танго. К клубным относятся: танго де салон, танго лисо, орилльеро, танго нуэво.
Танго Портеньо
Является основным, классическим стилем танго. Его особенность заключается в близком объятии, маленьких шагах, простых фигурах, в предельной музыкальности, внимании к партнерше и к остальным танцующим парам. И в наше время танцуется на всех основных площадках Бс. Ас. Изредка «портеньо» называют милонэгро или аутентичным или традиционным танго. Изучение танго надо начать с этого стиля. Это норма и основа танго.
Орилльеро
Орилльеро является стилем, который появилась на окраинах Буэнос-Айреса, «орилльях». Сейчас для орилльеро характерны быстрые движения и множество украшений и много свободного места.
Танго де салон
Танго де салон является стилем танго 40-х годов. Для него характерны медлительные спокойные движения. В нем присутствуют все основные шаги и фигуры танго.
Танго лисо
Танго лисо не имеет изысканных фигур и фантазийных связок. Применяются лишь самые основные шаги и фигуры танго.
Танго «на экспорт»
Считается, что танго «на экспорт» не имеет души и исполняется в Нью-Йорке, Берлине, Париже и Токио. В нем нет ничего от танца портеньо. Танцоры показывают эффектные па и искусственную страсть.
Танго-«фантазия» или шоу-танго
Танго-«фантазия» или шоу-танго является сочетанием ряда стилей танго. Его танцуют опытные танцоры. Здесь сочетаются традиционные шаги танго и фигуры балета, бальных танцев, элементы фигурного катания, гимнастики и т.д.
Танго «нуэво» – «новое танго»
Танго «нуэво» – «новое танго» пользуется популярностью у молодых танцоров. Нужны отличные физические данные. Движения широкие, размашистые. Его танцуют на милонгах.
Клубные и сценические стили танго имеют отличия также и по характеру танца. Клубные стили камерны, искренни, полны импровизации. Сценические имеют совершенную технику исполнения, эффектность фигур и движений.
Движение является формой, в которой существует любовь.
Лондон полнится слухами, что такое происходит всегда: на гастролях «Аргентинского танго» мужчины и женщины не могут дождаться финала, они хотят того же в своей жизни. Шесть пар показывают различные типы танго.
В Аргентине пару называли «нашими Ромео и Джульеттой». Они познакомились в 1985 году. Милена – знаменитая балерина. Зотто был сыном непрофессионального актера, и он не был известен. Жизнь научила его танцевать.
Милена захотела танцевать с Зотто. Она бросила свою балетную карьеру. Они стали знаменитым дуэтом, их называли королем и королевой танго.
Но 3 года назад Плебс и Зотто расстались. Зотто захотел быть один. Милена отказывалась танцевать. Разрыв дуэта случился, когда Зотто не захотел, чтобы Милена рожала ребенка.
Милена Плебс – поразительная женщина. Она твердо считает, что танго, страстный танец, могут танцевать лишь влюбленные люди, а все остальное пошлость, и зритель не увидит страстный танец. Плебс живет в Буэнос-Айресе, занимается преподаванием хореографии, изредка занимается собственными постановками.
Интересно, что на сегодняшний день Зотто все время называется себя большим романтиком, но танцует он без Милены, танцует прекрасно.
Это мировое шоу ни разу не было в России. И это не случайно.
У нас вообще нет культуры страсти.
В российской культуре надо или ограничивать, или скрывать собственные страсти, и тогда люди потянутся к тебе. Не надо проявлять инициативы. И тогда ты будешь счастлив.
Зачем тогда нам нужно аргентинское танго, которое танцуют двое: мужчина и женщина.
«Шел Господь пытать людей в любови…». Эта строчка принадлежит Есенину. Он был знаком со страстью. В программке спектакля «Танго для двоих» самыми крупными буквами написана цитата из Айседоры Дункан. Она и танго умела танцевать, и была знакома с Есениным.
История развития джаз-модерна
Джазовый танец и танец-модерн в течение многих лет развивались самостоятельно друг от друга, и лишь в 70-е годы был начат процесс приобретения приемов из разных школ, в том числе и из классического балета.
История развития джаз-танца
США обогатили мировую хореографию двумя художественными элементами: «свободным» танцем Дункан и джазом афро-американцев. Особенность джазового танца – это абсолютная свобода в движениях.
В течение 300 лет, с 16 до 19 века, негров везли из Африки в Латинскую Америку и Соединенные Штаты. Оказавшись в Америке, они довольно быстро восстанавливали собственные обычаи и праздники. Но вместо барабанов негры хлопали в ладоши и отбивали ритм ногами.
Вместе с тем происходил и другой процесс. По причине того, что основное население США были переселившиеся ирландцы, шотландцы и англичане, то танцы этих народов являлись главной частью искусства и обыденной жизни.
Европейское и негритянское искусство оказывали влияние друг на друга и в итоге перемешались.
В конце 18 века в больших городах Севера стали появляться музыкальные шоу для белых людей, в них белокожие танцоры, одев маски негров и их костюмы, подражали африканским танцам и песнями. Первым негром исполнителем джазового танца, который вошел в историю, является «Мастер Джуба».
Неграм разрешили выступать на сцене лишь после того, как закончилась Гражданская война в США. Но из-за небольшого количества негритянских групп, в основном развивались водевиль, комедия и скетч.
Несмотря на то, что негры могли выступать на профессиональной сцене, считалось, что «черный» танец – это независящие друг от друга, не имеющие логики и неуклюжие движения. Со временем и белые танцоры стали осознавать прелесть и сложного данного вида танца. Одним из первых исполнителей джазового танца является Джордж Примроуз.
С 90-х годов и до завершения Второй мировой войны – следующий этап в развитии джазового танца как уникальной техники, имеющей свою школу и систему движения. В этот период времени джазовый танец влияет на бытовой и театральный танец, а также на балетный театр.
Между 1890 и 1916 годами наблюдается настоящий триумф «черных» танцев и в области бытового танца. Их танцую и в Америке и в Европе. Примерно в этот период времени отмечается появление слова «джаз» и «джазовый танец».
1917–1930 годы является пиком развития джазового танца. «Черный» танец и музыка появляются в музыкальных спектаклях в Гарлеме и на Бродвее. Потрясающие исполнители этого периода – Берт Вильяме, Билл Робинсон, Баболс и Бэк участвовали в музыкальных представлениях в «черном» варьете Гарлема.
Шоу «Шафл Элонг» (1921 год) положило начало «черным» ревю на Бродвее.
В 1933 году Дорис Хамфри создает хореографию негритянской оперы «Бегите, маленькие дети». Это была первая попытка сделать серьезное произведение, основанное на негритянском танце.
Настоящим триумфом явилась постановка в 1935 году оперы Дж. Гершвина «Порги и Бесс».
Но самым популярной танцовщицей, хореографом, этнографом, писателем и антропологом является Кэтрин Данхэм, которая разработала теорию и методику джазового танца. Она создала ряд джазовых постановок, к которым относятся «Тропики и горячий джаз», «Хижина в воздухе», «Тропическое ревю».
Большую роль джазовый танец оказал на развитие мюзикла.
В 50-60-е годы появляются молодых талантливые балетмейстеры Г. Росса, Б. Фосс, М. Кидд и Г. Чемпион.
В конце 60-х годов джазовый танец уверенно занимает свое место в направлениях современной хореографии. Это и бытовой танец, танец кино, театральный танец, хореографические спектакли. Он впитывает в себя элементы различных танцев. В итоге начинается процесс объединения основных школ хореографии и возникает новое направление – модерн-джаз танец.
Танцевально-двигательная терапия
Эту статью мы решили посвятить избыточному весу и специфике типов излишнего веса.
Тип излишка веса характеризуется плотной и тяжелой тканью, которая иногда есть только в некоторых частях тела, а иногда распространена по всему тело.
С этой точки зрения состояние людей с повышенной плотностью тела может быть рассмотрено как проблема управления ресурсами. Для того чтобы начать работать с этой проблемой, нужно узнать какие ресурсы могут быть мобилизованы, и после их нужно непременно мобилизовать.
Будем рассматривать эту проблему на примере 30-летней женщины, которая танцевала классический балет с 3 лет и джазовые танцы в юности. Она была стройна, но бедра и ноги были толстыми, плотными и тяжелыми. Этот вид плотной ткани при прикосновении был холодной на ощупь. Вопрос о диете не стоит, когда мы совершаем попытку сделать стройным только часть тела.
Похудение зависит от того, как каждый выполняет движение. То, как она использовала свое тело в движении, казалось, вызывал тяжесть ее оконечностей. Она привыкла к общепринятому методу преподавания танца, где преподаватель дает команды, и ученики повинуются и подражают их движениям.
Мы сообща работали над балансировкой ее тела всю зиму.
Она научилась пассивному расслаблению, что сделало ее тяжелой. Ее научили активному расслаблению, которое делает ее легкой. Ее научили правильному дыханию и движению при помощи своего дыхания. Чтобы увеличить циркуляцию в ее ногах, ей делали массаж. Она должна была научиться делать движение мысленным процессом.
Ей пришлось научиться тому, как подниматься и работать осознанно, в противовес силе
притяжения.
Постепенно она научилась размышлять о своих движениях и чувствовать их как внутренний процесс.
По мере того, как ее движения становились динамичными, ткань ее тела изменилась к лучшему -
изменился и внешний вид, она стала стройнее. Изменилось также и качество ее
движений – они стали более легкими, динамичными и эффективными. Произошла трансформация.
Надеюсь, что эта небольшая статья даст читателю пример терапии танцевальными движениями.
Танец
Наши душа и тело всегда найдут повод для того, что бы выйти из равновесия. Постоянные стрессы, перепады настроения, хроническая усталость, недосып, снижение иммунитета – все это стало привычным делом. Однако есть люди, которые встали на борьбу с этим недугом – они начали танцевать. Конечно, всегда найдутся люди, которые скажут, что танцевать не любят и не умеют, что это стыдно и некрасиво. Но танцевать умеют абсолютно все! Просто не все об этом знают.
Танец – базовая потребность человека. Помимо этого, это самый первый язык и способ общения и коммуникации. До появления речи наши предки выражать свои мысли, чувства, эмоции, желания, состояния могли лишь с помощью языка тела и нечленораздельных звуков. Немного позже появились ритуальные, магические, театральные, обрядовые и прочие танцы. Сегодня мы знаем о существовании множества танцев – от африканских примитивных до стилизованного балета. Все танцы без исключения очень благотворно влияют на организм и являются прекрасной терапией.
Психотерапия через тело.
Очевидно, что танец как метод лечения относится к сфере телесно-ориентированной терапии, а также психологии, лечебной физкультуры и психосоматической медицины. Здесь нет посредника для выражения чувств, инструментом и создателем является тело человека. С танцем, как методом терапии обычно связывают имя Мэрион Чейз – танцовщицы и преподавателя танца. В процессе занятий она заметила, что студенты часто интересуются чувствами и эмоциями, выражаемыми в ходе танца. В 1946 году Чейз взялась опробовать свои методы на душевнобольных, после чего этот метод терапии официально был принят. Сегодня более чем в 30 странах мира работают профессиональные танцотерапевты. Доказано, что все наши срывы, депрессии и болезни возникают вследствие эмоциональных переживаний. Далеко не каждый может вылить их и высвободиться. Танец же идеально справляется с этой задачей. Он помогает справиться с семейными проблемами, проработать все свои комплексы, избавиться от внутреннего напряжения, обрести наконец легкость, желание и радость жизни!
Во все времена танго привлекало к себе своей страстностью. Этот танец научил многих выражать свои эмоции и чувства, спрятанные глубоко в подсознании. Но для того, чтоб научиться этому, нужно долго и упорно тренироваться.
Многие новички, побывав на уроках, и мастер – классах, не могут добиться никаких успехов. Даже выступления в паре не дают результатов, а навыки куда-то безвозвратно улетучиваются. Так что нужно знать начинающему танцору, чтоб окончательно не разочароваться и не бросить занятия.
Милонгеро и истинное танго.
Музыка танго – особенная.
Для танцора музыка – нечто невообразимо красивое. Танго учит чувствовать ярко, сочно и проникновенно, преумножая все ваши эмоции. Музыканты танго тоже необыкновенные, они тоже творят, позволяя музыке проходить сквозь тело. Учась истинному танго, вы должны научиться танцевать от самого сердца. Через некоторое время движения станут вашим вторым “я”, вы будете творить и создавать.
Новое «атлетическое» танго.
Люди проворные и склонные атлетизму, захотят испробовать что-то более сложное, нежели просто танец танго. Для таких людей создан новый вид танца – “новое танго”. Этот вид требует очень серьезной физической подготовки, не уступающей по сложности балету, гимнастике или фигурному катанию. Новое танго для тех, кто хочет выступать. Все элементы в нем сложны и требуют проработки. Поэтому на переполненном танцполе выступить будет почти нереально.
Как быстро прогрессировать в танго.
Если вы хотите обучиться танго быстро, берите урок у того учителя, который обучает какому-то одному стилю. Лучше, если это будут частные уроки. Если вы будете заниматься сразу с несколькими, вы можете быстро запутаться. И выбирайте профессионального преподавателя.
Ограничения в обучении танго на групповых занятиях.
Каждый должен понимать, что обучение в группах не очень хорошо для новичка. Нужно посвятить свое время учителю, практикующему один стиль. Как можно чаще тренируйтесь и отрабатывайте движения. Танго следует учиться поэтапно. Начинайте с основ салонного стиля и как можно скорее выбирайтесь на танцпол. И, разумеется, не забывайте веселиться!
Костюм танцора
Для танцора его костюм — это нечто одухотворенное, то, с чем он сливается во время танца, то, что помогает ему победить. Каждая деталь в костюме служит созданию идеального образа.
Сегодня мы увидимся с людьми, благодаря которым многие танцоры всегда так хорошо выглядят. Это Елена Шмакова и Сбишек Лисак — директора компании по изготовлению одежды для танцев.
Елена с детства мечтала о танцах, музыке и красивых нарядах, поэтому дизайном и пошивом одежды она занимается уже очень давно. Елена главный дизайнер, она руководит в московском офисе и специализируется пошивом одежды для латиноамериканских танцев. Сбишек Лисак начинал с изготовления пуантов и балетных аксессуаров.
Компания Danscouture так же разрабатывает дизайн вечерней одежды, многие с огромным удовольствием пользуются их услугами. Про них говорят: «Стиль, эффектность и профессионализм – три главные вещи, которые нужны нам от наших портных, и у «Danscouture» все три есть. Можно полностью положиться на них, если речь идет о дизайне, идеях, лучших и новейших материалах и работе высочайшего качества; это дружелюбная, открытая команда высокоорганизованных людей, которые делают свое дело быстро и эффективно. Работать с ними – одно удовольствие».
Когда к нам приходят люди и делают заказ на пошив, мы много о нем не знаем, поэтому очень важно провести собеседование, оно обычно занимает около двух часов — за это время мы можем уже немного представить себе идею. Мы всегда прислушиваемся к пожеланиям танцоров, всегда очень тщательно прорабатываем эскиз.
Прочитать остальную часть записи »
Эксперимент с танцами
Для того чтобы провести эксперимент, были сделаны записи выступлений шести пациентов, оценщики должны были понять, был ли танец, поставленный пациентом первым, или же последним.
В качестве примера далее описываются выступления 4 пациентов.
Б-й О. Молодой человек 20-ти лет. До того, как он поступил в клинику, он не занимался танцтерапией. К моменту первого интервью находился в клинике две недели. Он не мог жить один и плохо слышал, вследствие чего у него была нарушена речь. Носил длинные волосы, одет был небрежно, почти неаккуратно.
Для своего танца выбрал современную ритмическую музыку. Двигался очень стереотипно, всё время на одном и том же месте и на большом расстоянии от группы. Его лицо было закрыто волосами. После танца он ощущал своё тело как часть себя самого. На вопрос об изменениях ответил, что «первый танец был довольно ограниченный, сегодня — совершенно иным, с большим количеством движений, как будто пробудилась жизнь».
Б-я К. 30-летняя воспитательница, которая ранее уже целый год принимала участие в танцетерапии. Поступила в клинику по поводу депрессивного состояния, спутанности, тревоги и отчаяния, а также тяжелейших расстройств, связанных с работой и профессией.
Для второго танца выбрала медитативную музыку и танцевала преимущественно стоя на коленях на полу. Танцевала относительно короткое время и замкнуто, чувствовалась большая печаль. В целом выглядела гораздо более симпатичной.
Б-й З. Во время первого интервью был в возрасте 57 лет. Неквалифицированный складской рабочий, находился в клинике в целом 9 месяцев. Поступил по поводу депрессии, психосоматических жалоб и параноидных страхов преследования. Кроме того, он плохо слышал, что ему сильно мешало в контактах.
Наконец-то принято решение воплотить давнюю мечту научиться танцевать. Танцевать красиво и свободно, и одной, и в паре, медленно, страстно, зажигательно, задорно, по-разному… Ноги сами несут в ближайший танцевальный клуб и тут возникает первая проблема: как разобраться во всем многообразии стилей и направлений танцев, как выбрать нужную школу?
Если вы в танцах человек совсем новый, имеет смысл попробовать себя в разных стилях или хотя бы посмотреть как они выглядят. К вашим услугам видеосервисы интернета. Просто набираете в строке поиска название стиля и смотрите найденные ролики. Это поможет создать первое впечатление. Если понравится, можно походить в разные группы на тренировки. Около месяца хватит, чтобы понять, нравится ли этот стиль танца, сам тренер, его методика преподавания, коллектив, наконец. Только не стоит сразу пугаться трудностей, то, что на первый взгляд кажется нереальным и недостижимым, можно прекрасно наработать за несколько тренировок, было бы усердие! К примеру, восточные танцы подойдут, если нужно развить мягкость движений и женственность, хип-хоп — для развития скорости, четкости и силы движений, занятия классическим балетом развивают грацию и пластику. Сейчас очень популярны восточные танцы, бальные и современные. Каждое из этих направлений в свою очередь делится на множество стилей. К одним только современным танцам относятся такие стили как hip-hop, rnb, street-jazz, cramping, breaking, popping и многие другие. Обращайте внимание и на самого тренера. В рамках одного и того же стиля разные тренеры могут обладать разной манерой исполнения, которая может вам понравится или вызвать отторжение. Так что имеет смысл выбирать не столько направление танцев, сколько именно тренера.
Вот уже выбрана школа танца, совсем скоро первая тренировка у лучшего тренера, и пришло время задуматься над второй проблемой: что одеть в спортзал? Тут есть несколько правил. Во первых, одежда должна соответствовать стилю танца. Согласитесь, танцевать такой уличный танец как хип-хоп в лосинах и пуантах или румбу в широких штанах и кроссовках несколько… глупо. Во-вторых, она должна быть удобной и не стесняющей движения, желательно, чтобы на ней было поменьше деталей, которые могут оторваться, разбиться, как-то повредить. Совсем не обязательно одевать на тренировку обтягивающую одежду. Особенно, в первые разы, когда в такой одежде особенно четко видны все движения, еще не ставшие такими красивыми, как хотелось бы…
И самое важное, отправляясь в спортзал не стоит стесняться своего неумения. Ведь вы как раз и идете туда за тем, чтобы научиться красиво двигаться. Каждый когда-то начинал, и даже самый великий танцор когда-то впервые переступил порог танцевального зала. Сейчас довольно много школ, где в одной группе занимаются люди с разной подготовкой, это вполне нормально, это не средняя школа, где между классами нужно сдавать экзамены, люди учатся танцу постоянно и новички, старающиеся повторять за остальными движения вызывают уважение.
Танцуйте в свое удовольствие, совершенствуйте свое мастерство и поддерживайте свою прекрасную физическую форму и отличное настроение!
Вы танцуете? Нет?! Это плохо. Каждый человек в своей жизни просто обязан научиться танцевать. Пусть это будут не сложные профессиональные танцы, но, в крайнем случае, пускай это будет вальс или что-нибудь наподобие него. Ученые, исследовав танец с точки зрения физических упражнений, пришли к выводу что танцы, в любом их проявлении (особенно русские – народные), могут заменить до 20 видов спорта одновременно. То есть если вы будете заниматься танцами, считайте себя настоящим спортсменом. Любые танцы не смогут ухудшить вашего физического состояния. Они лишь помогут вам. Во-первых, улучшиться ваш вестибулярный аппарат. Во-вторых, вы научитесь лучше управлять своим телом. В-третьих, вы станете намного увереннее чувствовать себя в окружающем вас пространстве. И наконец, вы просто научитесь красиво танцевать. Ведь глубоко в душе каждый человек хочет научиться двигаться красиво и непринужденно.
Более того, если вы научитесь хорошо танцевать, то вам открыта дверь в мир красочных танцевальных фестивалей. Вы можете участвовать в них и получать заслуженные награды. А это значит, что о вас могут услышать и даже пригласить в какой либо танцевальный коллектив, в составе которого вы сможете ездить на гастроли как по нашей стране, так и за границу.
Естественно, начинать заниматься танцами нужно ещё в детском возрасте. Если же вам не удалось этого сделать в детстве, не отчаивайтесь. Никогда не поздно начать. Всё зависит только от вас и от вашего желания к обучению. Дерзайте!
Коллектив, о котором идет речь, его руководители и участники, к тому времени осознавшие все трудности совершенства в любимом ими искусстве, стояли перед дилеммой: ставить известный всем балет или попытаться создать новый, на основе близкой им жизненной темы. Споров было много. Не меньше участников сомневался сам руководитель, не чувствуя в себе достаточно таланта для рождения автороко-го хореографического произведения. Попытка привлечь хореографа со стороны не дала результатов. Увлеченность и желание коллектива победили. Начался поиск. Не останавливаясь на подробностях, скажу, что по рассказам участников этот год был одним из самых творческих в жизни коллектива. Обсуждался сценарий, искали дополнительные материалы, каждый исполнитель вносил много инициативы в трактовку своей роли. В классах, на тренировочных занятиях не было более усердных учеников.
Как мы уже сказали, спектакль не получился произведением больших обобщений, его сценическая жизнь и безусловный успех носили локальный характер. Он был интересен в рамках того предприятия, чей клуб осуществил его постановку. Причин тому много. Слишком комплексное искусство балет, и создание нового произведения дело больших профессионалов. Были просчеты в драматургии сценария, не имела яркой мелодичности и драматургического развития музыкальная партитура, не сумел хореограф дать свое личностное интересное решение теме. Многое выглядело иллюстративно. Но было и немало ценного: отдельные вариации, монологи героев были удивительно интересны по характери-1 стичной пластике и убедительны до узнаваемости по интересному исполнению. Спектакль увлекал тем, что происходило на сцене, а потому имел значительный успех у своей аудитории.
И вот вновь на сцене танец традиционный. Но иначе, живо, импровизационно и оомысленно звучит его текст; не схему, а живую ткань его создают исполнители, и зритель, вовлеченный в атмосферу правды жизни этого танца, не может остаться равнодушным к происходящему на сцене.
Это пример не выдуманный, он из практики жизни одного из самодеятельных коллективов, задумавшегося о причинах неудач и воспользовавшегося в свое время советом автора этих строк по-иному организовать свою работу.
Из практики приведем и другой пример, к сожалению, не давший очень ярких художественных результатов, но безусловно принесший немало пользы участникам коллектива. Речь идет о балетном спектакле в любительском театре балета.
Проблема классического танца в художественной самодеятельности очень сложна, так как освоение этого условнейшего языка искусства требует многих лет ежедневных тренировок по совершенствованию медленно эволюционирующего тела человека, которое должно стать послушным языку классического танца инструментом. Потому так мало подобных коллективов и так немногим удается достичь на этом пути достойных результатов.
Разный подход в решении целостности программы концерта только расширяет возможности существования оригинальных программ в этом виде искусства. И не отрицает, а, наоборот, подтверждает целесообразность такого пути в создании репертуара коллектива. Целостное представление, своеобразный спектакль, где каждый номер и самостоятельный и в то же время часть более крупного, с интересом смотрится зрителем, способствует утверждению значительных тем на сцене, увлекает участников, повышает воспитальное воздействие материала танца на их развитие, позволяет каждому коллективу иметь свое творческое лицо.
Близкий по принципу прием театрализации, но на несколько другой основе и на другом национальном материале использует балетмейстер М. Мурашко в программе возглавляемого им коллектива «Мари-Эл»— Марийском ансамбле песни и танца. Начиная с первого номера концерта, посвященного обобщенному рассказу о марийском крае и его народе, хореограф вводит сольную пару. В этом танце юноша и девушка как бы впервые встретились друг с другом. На протяжении концерта зритель их увидит не раз и в массовых народных танцах и в сольном дуэте. А в конце концерта (его можно назвать своеобразным представлением) ансамбль исполняет развернутую хореографическую ‘Композицию «Марийская свадьба», где естественно в роли жениха и невесты выступают знакомые нам герои. Так строится одна из программ.
Интересный и по-своему близкий к рассказанному прием использует хореограф В. Власов в новом ансамбле Москонцерта «Камерный балет», в своеобразной стилизованной программе, названной им «Перезвоны».
Не останавливаясь на оценке работы, так как в данном случае это не является нашей задачей, отметим только, что воздействие такой программы более многогранное и глубокое, чем отдельных номеров, не связанных тематически.
Второй пример, к которому мы обратимся, лежит в области народно-сценического танца. Речь пойдет о концертной программе Государственного ансамбля танца Белорусской ССР, главный балетмейстер и художественный руководитель которого Г. Майоров.
Первое отделение концерта называется «Беларусь синеокая». Это позволило включить в него танцы разных областей республики от широко популярной «Лявонихи» до недавно записанного в селе танца «Кивуха». Часть из них была ранее в репертуаре. часть поставлена для данной программы. Специально поставлен и первый номер, открывающий выступление артистов и имеющий то же название, что и вся тема. Он как бы вводит в нее и в то же время играет роль своеобразной визитной карточки коллектива.
Второе отделение концерта имеет два варианта. Один из них включает современные театрализованные произведения! «Белорусская праздничная сюита» и «Днепровы братья» — о дружбе народов Белоруссии, Украины и России?
Многие годы такой принцип формирования репертуара был едва ли не единственным. Наиболее целостную театральную форму имели лишь сюиты, включавшие несколько более коротких фрагментов в свой состав.
Последние годы все чаще встречается иной принцип при формировании репертуара, задумывают сразу целую программу, т. е. неоколько танцев, объединенных единой темой, способных вместе составить не менее чем отделение концерта.
Ряд коллективов стал посвящать первое отделение концерта сценически обработанному фольклору, а второе—номерам современного характера—авторским постановкам. Это уже стало своеобразным шаблоном, но в определенной степени позволяет тематически объединить номера программы единым замыслом.
Примером тематического концерта может быть «Вечер романтического балета», включающий в себя композиции в стиле романтической хореографии, или Концерт «Из произведений французских хореографов», посвященный Дню Парижской коммуны.
Примером программного концерта может служить специально подготовленный вечер педагога А. П. Сахаровой или большая программа, подготовленная к 100-легнему юбилею профессора А. Я. Вагановой. Такие концерты имеют свой сценарий, много для них специально ставят хореографы.
С другой же стороны, индивидуальное в коллективе уже и тоньше этих общих признаков, и это особенное Прочитать остальную часть записи »
Но вот встречаешь коллектив, где хореографа, как в свое время и Н. Надеждину, взволновал образ русских березок. Прочитать остальную часть записи »
Трудно переоценить в этой работе значение помощи единомышленников — участников коллектива Прочитать остальную часть записи »
Репертуар — слово французского происхождения и означает подбор пьес, музыкальных (хореографических) Прочитать остальную часть записи »
Полуприсядки подразделяются на такие Прочитать остальную часть записи »
Нередки случаи, когда индивидуальность исполнителя порождает и сам замысел. Так, неизвестно, имел бы мир знаменитого «Умирающего лебедя», не работай М. Фокин с А. Павловой. Хотя после Павловой это неумирающее—творение хореографа воплощали лучшие балерины мира: Г. Уланова, М. Плисецкая, И. Шовире, А. Алонсо… но каждый раз это был тот и не тот Лебедь, менялись пластические, эмоциональные акценты, трактовка. Мы назовем это исполнительской интерпретацией. А рождением — соавторством это произведение обязано А. Павловой.
Особенно сказанное относится к произведениям так называемой малой формы, к камерным, эстрадным танцам, но и в создании роли в балете, сценической композиции народного танца эталонные черты, авторские воплощения хореографа во многом определяются содружеством с первыми исполнителями. Значит, началом работы хореографа с исполнителем является уже сам выбор, нахождение необходимого артиста, способного в силу своей индивидуальности соответствовать тому, что необходимо хореографу для данного танца. Затем происходит процесс воплощения.
Замысел, тема, идея произведения, материал диктуют и выбор количества персонажей, действующих в сценарии. Прочитать остальную часть записи »
Иногда лейттема героя может совпадать и совместно развиваться с лейттемой одной из групп Прочитать остальную часть записи »
К примеру, в якутском Осуохае, исполняемом в народе только в замкнутом круге, в условиях сцены произойдут необходимые изменения: круг может разомкнуться к зрителю, получить разные формы развития, может возникнуть и линейный мотив. Прочитать остальную часть записи »
Несколько иначе воспринимается рост исполнителей при диагональном
В то же время до сих пор является подлинным образцом финал балета В. Вайнонена «Пламя Парижа» Прочитать остальную часть записи »
Как может развиваться, скажем, сам круговой мотив? Прочитать остальную часть записи »